teamLab es un colectivo artístico multidisciplinar fundado por Toshiyuki Inokoen Japón en 2001. Este equipo japonés ha emergido en el panorama del arte contemporáneo con sus instalaciones, enfocadas a diluir los límites entre arte, diseño, ciencia y tecnología. Formado por más de 400 profesionales de campos diversos como la ingeniería, el diseño, la ilustración, la programación o las matemáticas, su amplia presencia en museos y galerías de todo el mundo es un testimonio de de su popularidad internacional. 

Su obra más ambiciosa es la colección permanente del Mori Building Digital Art Museum, inaugurado el 21 de junio de 2018 en la isla de Odaiba en Tokio Tokyo. El museo ocupa un área de 10 mil metros cuadrados en dos plantas, y todo el interior se caracteriza por una atmósfera única, con ambientes muy oscuros donde las únicas luces son las de los 470 proyectores en el interior, controlados por más de 500 computadoras. Los proyectores, las luces y las computadoras juntas se usan para reproducir diferentes «mundos». Los creadores de este mundo y sus diferentes obras de arte hechas de luces, formas y colores, es el grupo Teamlab.

Podemos dividir el museo en dos áreas principales, el Borderless World ubicado en la planta baja y el Athletic Forest ubicado en el piso superior. Además, hay la obra de arte Forest of Lamps, el área para niños llamada Future Park, y la casa de té En Tea House.

Sitio web oficial: https://www.teamlab.art/es/ https://borderless.teamlab.art/es/

Fuente texto: https://es.youinjapan.net/tokyo/odaiba/digital-art-museum.php

Fuente imagen: https://www.teamlab.art/es/

 

TEAMLAB, Borderless, Trascending Boundaries, 2018.

Palabras clave: MORI, naturaleza artificial, instalación inmersiva.

TeamLab Borderless es un grupo de obras artísticas que forman un mundo sin fronteras. Las obras salen libremente de las salas, forman conexiones y se comunican con otras obras, ejercen influencia y a veces se entremezclan. Este conjunto forma parte de la exposición permanente del MORI digital art museum en Japón.

 

TEAMLAB, Life is continuous light, 2017.

Palabras clave: Naturaleza, interactividad, instalación inmersiva.

Las flores del Azalea Valley de Mifuneyama Rakuen brillan intensamente. La luz de cada azalea es autónoma, se enciende y luego se desvanece, como si respirara lentamente. Cuando las personas pasan o se acercan a las azaleas, el color de la luz cambia. Entonces, la luz de ese árbol se contagia y se transmite a las otras azaleas cercanas.

 

 

 

teamLab es un colectivo artístico multidisciplinar fundado por Toshiyuki Inokoen Japón en 2001. Este equipo japonés ha emergido en el panorama del arte contemporáneo con sus instalaciones, enfocadas a diluir los límites entre arte, diseño, ciencia y tecnología. Formado por más de 400 profesionales de campos diversos como la ingeniería, el diseño, la ilustración, la programación o las matemáticas, su amplia presencia en museos y galerías de todo el mundo es un testimonio de de su popularidad internacional. 

Su obra más ambiciosa es la colección permanente del Mori Building Digital Art Museum, inaugurado el 21 de junio de 2018 en la isla de Odaiba en Tokio Tokyo. El museo ocupa un área de 10 mil metros cuadrados en dos plantas, y todo el interior se caracteriza por una atmósfera única, con ambientes muy oscuros donde las únicas luces son las de los 470 proyectores en el interior, controlados por más de 500 computadoras. Los proyectores, las luces y las computadoras juntas se usan para reproducir diferentes «mundos». Los creadores de este mundo y sus diferentes obras de arte hechas de luces, formas y colores, es el grupo Teamlab.

Podemos dividir el museo en dos áreas principales, el Borderless World ubicado en la planta baja y el Athletic Forest ubicado en el piso superior. Además, hay la obra de arte Forest of Lamps, el área para niños llamada Future Park, y la casa de té En Tea House.

Sitio web oficial: https://www.teamlab.art/es/ https://borderless.teamlab.art/es/

Fuente texto: https://es.youinjapan.net/tokyo/odaiba/digital-art-museum.php

Fuente imagen: https://www.teamlab.art/es/

 

TEAMLAB, Borderless, Trascending Boundaries, 2018.

Palabras clave: MORI, naturaleza artificial, instalación inmersiva.

TeamLab Borderless es un grupo de obras artísticas que forman un mundo sin fronteras. Las obras salen libremente de las salas, forman conexiones y se comunican con otras obras, ejercen influencia y a veces se entremezclan. Este conjunto forma parte de la exposición permanente del MORI digital art museum en Japón.

 

TEAMLAB, Life is continuous light, 2017.

Palabras clave: Naturaleza, interactividad, instalación inmersiva.

Las flores del Azalea Valley de Mifuneyama Rakuen brillan intensamente. La luz de cada azalea es autónoma, se enciende y luego se desvanece, como si respirara lentamente. Cuando las personas pasan o se acercan a las azaleas, el color de la luz cambia. Entonces, la luz de ese árbol se contagia y se transmite a las otras azaleas cercanas.

 

 

 

Como un alquimista visual detrás de los clips de FKA twigs y Arca, –según lo describe la revista Dazed en esta entrevista–, el realizador Jesse Kanda es el artista visual del momento. Nacido en Japón, y criado en Canadá (tierra del cineasta David Cronenberg), Jesse Kanda encarna el horror neogótico que en la década del 90 asumían las criaturas post-apocalípticas del inglés Chris Cunningham, y continuó en la distopia de los hermanos Wachowski en su período Matrix. Kanda llega a la escena de la música y el cine generando el mismo interés y admiración que sus predecesores.

 

En su show de humanoides de malformaciones macabras, Jesse Kanda sin embargo promueve un erotismo de belleza inquietante y experimental, como en los clips “Thievery”, de Arca y “How’s that”, de FKA twigs. Menos apto para almas sensibles resulta la colaboración con Arca en Trauma, un show fílmico en el MoMA PS1, que consta de siete cortos que aún están presentando, en una sociedad endogámica que incluye habituales DJ sets y performances. Jesse Kanda además ilustra la tapa de Mutant, elegido como uno de los mejores discos electrónicos de 2015 por los medios especializados. Allí presenta un grotesco anatómico de superficies plastificadas que incomoda por su apariencia, y define el sonido fragmentado y poco complaciente de Arca. Su diseño de tapa para LP1, de FKA twigs, por su parte, ganó un premio D&AD.


Jesse Kanda se vincula generacionalmente con Andrew Thomas Huang, Iris van Herpen y todo lo que ofrece el arte híbrido de Ars Electronica. Artista de la era digital transgresores que promueven los músicos, la industria y los espacios de arte contemporáneo en su deseo de conmover por medio del shock y la confrontación.

Sitio web oficial: http://www.jessekanda.com/

Fuente texto: http://espaciovirgen.com/las-criaturas-adorables-de-jesse-kanda-zoom-lucas-lopez/

Fuente imagen: http://www.jessekanda.com/

KANDA, JESSE, & ARCA, Live en la Roundhouse/Boiler Room, 2018.

Palabras clave: música, directo, 3D.

En correlación con el lanzamiento de su álbum homónimo, el productor Arca y su colaborador visual Jesse Kanda, realizaron un espectáculo en vivo en The Roundhouse en Londres.

KANDA, JESSE & ARCA, Moma Ps1, 2013.

Palabras clave: música, cuerpo, 3D.

El productor venezolano Arca y Jesse Kanda estrenaron su película en MOMA PS1 el domingo 5 de octubre de 2013. La pieza interpreta visualmente una sección del último trabajo de Arca, &&&&&&. El evento incluyó versiones abstractas de la música de Arca con las voces en vivo de Abby Fischer, Mellissa Hughes y Thomas McCargar, acompañadas de luces y un conjunto diseñado por el colectivo de videoarte Thunderhorse Ent.

Boris Edelstein es un artista radicado en Ginebra, Suiza, dedicado a la exploración del live video y al Vjing desde mediados de los noventa. Co-fundador y director de arte del Mapping Festival, un festival dedicado a la difusión de las nuevas y no tradicionales esferas del arte visual, consiguió que sus experiencias e inquietudes como investigador del campo evolucionaran hasta el punto de llegar a desarrollar, concebir y co-crear Madmapper y Modul8, dos de los paquetes de software más utilizados por Vjs y artistas visuales en el momento.

 

Sitio web oficial: http://www.garagecube.com/

Fuente texto: https://www.revistaexclama.com/arte/boris-edelstein/

Fuente imagen: https://www.revistaexclama.com/arte/boris-edelstein/

 

EDELSTEIN, BORIS; BUCHANAN, STEVE, LSD (Light, sound + death), 2013.

Palabras clave: modul8, mapping festival, luz.

LSD. es la última creación del dúo Rhythm / Vision. Este pionero grupo de A/V fue fundado en 2003 por Steve Buchanan y Boris Edelstein en Ginebra. La evolución del dúo es paralela al desarrollo del Mapping Festival y el software Modul 8 en el que Boris Edelstein tuvo una papel principal tanto en la creación como en el desarrollo.

 

EDELSTEIN, BORIS; LEMECIER, JOANIE, Atoms, 2014.

Palabras clave: espejos, led, instalación audiovisual.

Instalación audiovisual realizada a partir de espejos, luz led y sonido.

Ryoichi Kurokawa es un artista audiovisual radicado en Osaka con una obra que recorre distintos formatos como son la instalación, las proyecciones en distintas superficies, grabaciones y actuaciones en vivo. Kurokawa, sin embargo, ha centrado su trabajo en el diseño de esculturas-temporales compuestas de elementos generados digitalmente y de grabaciones de campo, donde lo simple y lo complejo coexisten con gran equilibrio. En el universo estético de Kurokawa lo visual y lo sonoro conforman una unidad inseparable con la que construye, a través de la computadora y mediante el lenguaje audiovisual, una exquisita obra de gran precisión con la que busca disminuir la mutua distancia entre lo visual y lo sonoro, a través de la progresión sincronizada de ambos elementos.

Desde 1999 este joven artista japonés años produce obras audiovisuales que lo han llevado a colaborar en la elaboración de DVD’s con artistas japoneses de gran talla y a festivales como el Sónar en 2004 en donde alternó con Ryuichi Sakamoto y con el proyecto multimedia Sketch Show del que forma parte.

Sitio web oficial: http://www.ryoichikurokawa.com/

Fuente texto: http://www.mutek.org/es/archives/artists/510-ryoichi-kurokawa

Fuente imagen: http://www.ryoichikurokawa.com/

KUROKAWA, RYOICHI, Node 5:5, 2017

Palabras clave: instalación audiovisual, láser cinético, campo de onda.

Instalación audiovisual realizada a partir de proyección de video 4K, un sistema de láser cinético de 10 canales y síntesis de campo de onda. Node 5: 5 fue encargado por el Asia Culture Center (ACC) con el apoyo de ACC Creators in Lab.

KUROKAWA, RYOICHI, mol, 2012

Palabras clave: instalación audiovisual, performance audiovisual, vídeo holográfico.

Instalación audiovisual que se ha generado también varias performances audiovisuales o conciertos en directo de entre 20 y 30 minutos. La proyección de vídeo HD se combina con la
el video holográfico de 2 canales. Esta pieza se ha instalado en lugares como Tokyo o Nantes.    

KUROKAWA, RYOICHI, Rheo, 2009.

Palabras clave: concierto audiovisual, Ars Electronica, Sónar.

Concierto audiovisual que ha sido realizado en Ars Electronica 2010 o A Taste of Sonar (Londres), entre otros.    

Nacido en Madrid (1964), hijo de padre español y madre estadounidense, la vida y carrera de Daniel Canogar se ha dividido entre España y Estados Unidos. Comenzó formándose en el mundo de la fotografía cuando se especializó durante el master de la New York University y el International Center for Photography en 1990, pero pronto se interesó por las posibilidades de la imagen proyectada y la instalación artística. 

Ha creado numerosas piezas de arte público permanentes con pantallas escultóricas de LED flexibles y rígidas, incluyendo Aqueous en Sobrato Organization (Mountain View, 2019); Pulse, en Zachry Engineering Education Complex en la Universidad de Texas A&M (College Station, 2018); Tendril, en el Aeropuerto Internacional de Tampa (Tampa, 2017); Cannula, Xylem and Gust II en la sede central del banco BBVA (Madrid, 2018); Waves, en el atrio de JP Morgan 2 Houston Center, Houston (Houston, 2012) y Travesías, para el atrio del Consejo de la Unión Europea con motivo de la presidencia española de la Unión Europea (Bruselas, 2010). También ha creado obras públicas de carácter monumental como Constelaciones, el mosaico fotográfico más grande de Europa creado para dos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares en el Parque MRio (Madrid, 2010) en colaboración con el estudio de arquitectura Burgos & Garrido y Asalto, una serie de video proyecciones sobre monumentos emblemáticos, presentado sobre los Arcos de Lapa (Rio de Janeiro, 2009), la Puerta de Alcalá (Madrid, 2009) y la iglesia de San Pietro in Montorio (Roma, 2009). Como parte de esta última serie también se encuentra Storming Times Square, una intervención de vídeo en 47 de las pantallas de Times Square (Nueva York, 2014).

Página web oficial: http://www.danielcanogar.com/

Fuente imagen: http://www.danielcanogar.com/

Fuente texto: http://www.danielcanogar.com/

 

CANOGAR, DANIEL, Ripple, 2017

Palabras clave: mass media, videoarte, algoritmo.

Ripple evoca el día a día de la información. Estamos ante una proyección creada con vídeos de la página web del periódico EL PAÍS. Un algoritmo combina aleatoriamente más de 500 vídeos que forman parte de nuestra historia visual reciente. Cada vídeo deja tras de sí una estela que oculta las noticias anteriores y crea una abstracción que simula las texturas de un tejido. Ripple explora cómo el incesante ritmo de la sociedad de la información altera nuestra capacidad para recordar, asimilar y archivar nuestra realidad.

 

CANOGAR, DANIEL, Cannula, 2018.

Palabras clave: youtube, vídeo generativo, algoritmo.

Cannula, la obra basada en un vídeo generativo situado en una librería del hotel Beyond Geisel, permite al visitante interactuar con ella. A través de un Ipad varias búsquedas son realizadas en youtube y los 100 vídeos más visitados son descargados directamente a la obra. A través de un algoritmo estos vídeos son transformados en animaciones líquidas que nos recuerdan a las pinturas del expresionismo abstracto. Algunos detalles permanecen reconocibles- una cara, una mano, un automóvil – dentro de esa constante mutación de formas generadas por la obra. Dependiendo de la temática la búsqueda, el color, esquema y ritmo varían.

Robert Henke es un compositor, artista y desarrollador de software, nacido en 1969 en Munich, Alemania. Es principalmente conocido por sus contribuciones a la música electrónica contemporánea y por sus trabajos con láser.

La columna vertebral y el corazón de sus creaciones son máquinas y algoritmos, que utilizan reglas matemáticas, operaciones aleatorias controladas y sistemas de retroalimentación complejos. Muchas de sus instalaciones cambian lentamente durante largos períodos de tiempo, y están específicamente concebidas o adaptadas para ubicaciones únicas.

A menudo incluyen elementos de incertidumbre intencional, que dan lugar a resultados no completamente predecibles y una variación infinita. La mayoría de ellos utilizan tecnología láser combinada con sonido para crear experiencias audiovisuales únicas. Su trabajo musical tiene un enfoque particular en el ritmo, el timbre y el color, y es reconocido como un explorador pionero de la síntesis de sonido envolvente y campo de onda. Su proyecto a largo plazo Monolake, fundado en 1995 junto con Gerhard Behles, se convirtió en uno de los íconos clave de una nueva cultura de clubes electrónicos que surgió en Berlín después de la caída del Muro. Entre las colaboraciones recientes más importantes se incluye un trabajo para ensemble y electrónica junto a Marko Nikodijevic, encargado por IRCAM y el conjunto intercontemporain, y conciertos con el compositor audiovisual Tarik Barri.

Durante su carrera como artista digital multidisciplinar, Robert Henke desarrolló un conjunto de herramientas y sistemas para aplicar a sus instalaciones visuales, así como a sus actuaciones musicales y grabaciones. El desarrollo de este software forma, por tanto, parte integral de esta práctica artística y del propio proceso creativo. Algunos de los programas de computadora que desarrolló para sus propios fines, más tarde, se pusieron a disposición del público y son utilizados por innumerables artistas en todo el mundo. Henke es uno de los principales creadores de Ableton Live, un software que, desde su invención en 1999, se convirtió en el estándar para la producción musical y redefinió completamente la práctica de la música electrónica.

Ha dado conferencia sobre el sonido y el uso creativo de las computadoras, habiendo desarrollado también tareas docentes en la Universidad de las Artes de Berlín, el Centro de Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) en la Universidad de Stanford, el Instituto de Investigación y Coordinación Acústica / Música (IRCAM) en París, y el Estudio Nacional de Artes Contemporáneas – Le Fresnoy, en Lille , Francia.

Sus instalaciones, actuaciones y conciertos se han presentado en la Tate Modern de Londres, en el Centro Pompidou de París, en el Palazzo delle Espos. izioni en Roma, Le Lieu Unique en Nantes, PS-1 en Nueva York, MUDAM en Luxemburgo, MAK en Viena, Palazzo Grassi en Venecia, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en Australia, KW Institute for Contemporary Art en Berlín, STRP Bienal en Eindhoven, y en innumerables festivales como Unsound, CTM, MUTEK, Sonar, New Forms Festival. Robert Henke vive y trabaja en Berlín

Sitio web oficial: http://www.roberthenke.com/

Fuente texto: http://www.roberthenke.com/

Fuente imágenes: http://www.roberthenke.com/

 


HENKE, ROBERT, Lumière (audiovisual laser performance series), 2013.

Palabras clave: luz, láser, sonido percutivo.

Lumière es una serie de conciertos que explora el diálogo artístico entre los láseres de alta precisión y los sonidos percutivos. El software, desarrollado por el artista, permite generar sucesiones rápidas de formas visuales y eventos sónicos asociados, y manipularlas en tiempo real. Lumière es un trabajo en progreso permanente, cada actuación como una instantánea del estado actual.



HENKE, ROBERT, Atlantic waves, 2001.

Palabras clave: improvisación colectiva, red audiovisual, software.

Atlantic Waves es una red audiovisual de improvisación basada en una aplicación de secuenciación de red autoescrita. La idea original era encontrar una forma sencilla de realizar espectáculos junto con Scott Monteith (‘Deadbeat’) a través de Internet, pero sin transmisión de audio. Desde el principio, el proyecto tenía un fuerte componente visual ya que la interfaz se proyecta detrás del ejecutante. Esto permite a la audiencia seguir las acciones de ambos participantes. En versiones más recientes del software, la parte visual se convirtió cada vez más en una obra de arte en sí misma y la interacción entre el sonido y la imagen se volvió mucho más compleja.

Alva Noto es el nombre bajo el que el artista sonoro Carsten Nicolai desarrolla sus proyectos creativos, valiéndose del arte y la música como herramientas complementarias. Otros alias que usa son Noto o Aleph-1. Así mismo, es miembro de los grupos Signal (junto a Frank Bretschneider, cuyo alias es Komet y Olaf Bender, también conocido como Byetone) y Cyclo (Con Ryoji Ikeda).

Nicolai nació en Karl-Marx-Stadt, al este de la RDA. Estudió arquitectura antes de descubrir su interés por las propiedades del sonido. Reasentándose en Berlín al inicio de los 90, Nicolai fundó el sello de música experimental Noton.Archiv Fuer Ton Und Nichtton como plataforma para sus trabajos musicales.

Nicolai juega con las leyes de la física y transforma el sonido mediante osciladores y generadores de tono. Trabaja sin secuenciadores y edita matemáticamente su trabajo, otorgando a sus composiciones precisas estructuras rítmicas. Los sonidos de transmisiones eléctricas de información como los tonos de fax, sonidos de módem o clics de teléfono son sampleados y organizados en bucles a los cuales Nicolai añade otros sonidos electrónicos en diferentes planos a medida que la composición avanza.

Carsten Nicolai también trabaja como artista visual, usando los principios de la cimática para visualizar el sonido. Las creaciones de Nicolai están formadas por una convergencia del sonido, pintando y esculpiendo esos resultados en instalaciones, trabajando a menudo a través de sistemas modularizados y códigos.

 

Sitio web oficial: http://www.alvanoto.com/

Fuente texto: https://es.wikipedia.org/wiki/Alva_Noto

Fuente imágenes: https://sonar.es/es/2018/artistas/alva-noto

 

ALVA NOTO, Unieqav, 2017.

Palabras clave: música, audiovisual, inmersión.

El mago de la electrónica de Berlín y figura clave en el mundo de la música electrónica Alva Noto presenta su nuevo espectáculo audiovisual  vinculado a su noveno álbum de estudio en solitario ‘UNIEQAV’ en Brujas. El álbum Unieqav es la tercera y última entrega de su trilogía Uni después de Unitxt de 2008 y Univrs de 2011. Esto también se ve en el coverart para cada uno, que, cuando se combinan, forman un tríptico ortográfico Uni. La música es más rítmica y orientada a la pista de baile. Noto explica que las composiciones representan una inmersión bajo el agua.

 

ALVA NOTO, Unidisplay, 2012.

Palabras clave: música, audiovisual, inmersión.

El vídeo muestra algunos clips del concierto de NOTO en HangarBicocca en MILAN mezclados con elementos de su trabajo más completo y complejo: UNIDISPLAY

 

 

Cris Blanco nace en Madrid y vive en Barcelona. Desde 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en performance, danza, teatro y cine. La mezcla de géneros escénicos, los trucos a la vista, cambiar el significado de los signos y de los objetos, la ciencia-ficción y hacer visible el aparato teatral están presentes en su trabajo.

Algunos de sus trabajos escénicos son cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE (2004), TELETRANsPORTATION (2010),ciencia_ficción (2010) The Set Up en colaboración con Cuqui Jerez, María Jerez, Amaia Urra y Gilles Gentner. La película en directo El Agitador Vórtex (2014) y Bad Translation (2016), creada en colaboración con Óscar Bueno, Javier Cruz, Cris Celada, Amaranta Velarde y Ayara Hernández.

 

Sitio web oficial: http://www.tea-tron.com/cristinablanco/blog/

Fuente texto: https://www.tabakalera.eu/es/cris-blanco

Fuente imágenes: https://ocio.lne.es/agenda/noticias/nws-570935-cris-blanco-el-publico-gente-muy-inteligente-mucho-mas-yo.html

 

BLANCO, Cris, El agitador Vórtex, 2014

Palabras clave: cine en directo, teatro, performance, ciencia-ficción.

El Agitador Vórtex es teatro interactivo, es performance, es una película trepidante que se rueda y se emite en riguroso directo. Una propuesta muy ingeniosa que rinde homenaje al cine y a la puesta en escena. Un película en directo que no es solo una película. En El Agitador Vórtex, Cris Blanco hace mezclas imposibles de géneros y formatos de cine y escénicas: artes marciales con tragedia griega, peli futurista con un vodevil, persecuciones con danza y monstruos. Contado con inteligencia, trucos a la vista, un ritmo asombroso y mucho humor.

 

The Erasers es un grupo experimental de cine en vivo de Atenas. Caótico en la superficie, el mensaje político emerge a medida que se desarrolla la actuación.

Sitio web oficial: http://theerasers.blogspot.com/

Fuente imágenes: http://theerasers.blogspot.com/

Fuente texto: https://vimeo.com/mappingfestival

 

 

 

 

 

 

THE ERASERS, A/V performance at Mapping festival 2010, 2010.

Palabras clave: improvisación, punk, performance audiovisual.

Improvisación, elementos tecnológicos, música en directo y espíritu punk son algunos de los ingredientes que conforman esta performance audiovisual.

 

THE ERASERS, A/V performance at Mapping festival 2011, 2011.

Palabras clave: parking, punk, performance audiovisual.

Este show en vivo se desarrolla en un parking. El público llega a un estacionamiento donde solo hay un coche y un gran cartel blanco. Allí se desarrolló este show que cuenta con un fuerte componente teatral en el que los personajes entran y salen del coche, beben y charlan mientras se suceden los diferentes sonidos e imágenes.